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Conoce a Aida Lizalde
Mi práctica ha pasado de centrarse en la identidad y la asimilación en los Estados Unidos a crear objetos, instalaciones y actuaciones que investigan el poscolonialismo concentrándose en el cuerpo y sus sistemas, la comida y las relaciones con el medio ambiente, la genética y el Antropoceno.
Propongo y me comprometo con la digestión y el intestino como terrenos fértiles para la teoría y la práctica poscoloniales, investigando las formas en que mi cuerpo humano puede ser ayudado en su digestión literal y figurativa de alimentos, información, trauma e historia. El sistema de entrada y salida de la digestión corporal es una forma de hablar sobre el metabolismo de información de varios tipos a través del cuerpo. Esto incluye el lenguaje, las emociones, los factores ambientales, las estructuras sociales, los códigos, las redes sociales, etc. Mi investigación utiliza los objetos como extensiones del cuerpo a través de los cuales puede ocurrir la metabolización.
El movimiento de antropofagia del consumo subversivo en Brasil, la Teoría de la Bolsa de Transporte de Ursula K. Le Guin, las Ficciones de Borge, la hibridez de Anzaldua, el Post Humanismo de Rosi Bardoti, la nueva subjetividad de Deleuze y Guattari e incluso los cuentos surrealistas de Leonora Carrington son algunas de las teorías que han alimentado recientemente mi proceso de pensamiento. Guían mis intentos de crear estas máquinas/objetos/organismos para ayudarme a digerir el flujo de información de la realidad contemporánea, cuya velocidad y multiplicidad mi cuerpo humano no ha alcanzado.
VISCERAS
Montaje de exposición en Koatlikweh Project Room. Obras por Aida Lizalde
Conoce a Natalia Mejía Murillo
Reconozco el lugar que habito como un espacio constituido por capas de la vida cotidiana en una ciudad. Al observar y reflexionar sobre estas capas latentes, que pueden ser simbólicas o físicas, exploro una dimensión ampliada del territorio.
A través de la investigación en archivos físicos y digitales y la observación directa, me acerco al paisaje urbano y descubro las huellas históricas y simbólicas de la fundación y el crecimiento de una ciudad. De esta forma, la búsqueda de los vestigios del lugar me ha llevado a ver la ciudad como un espacio terrestre que se relaciona con cartografías sociales, arquitectónicas, históricas e incluso celestes. Además, veo estas cartografías como eventos astronómicos que influyen en las formas en que usamos el espacio. Me interesan especialmente los mapas antiguos -geográficos y astronómicos- ya que los concibo como ventanas para acercarme al pasado ya las formas en que las distintas sociedades construyen y representan su mundo y su paisaje.
Entiendo los mapas, comúnmente utilizados para la navegación y la medición, como dispositivos a través de los cuales podemos acercarnos a territorio desconocido; un espacio que contenemos en nuestros ojos y nuestras manos, pero al que quizás nunca lleguemos con nuestro cuerpo. En este sentido, la imagen científica y los instrumentos de medida son recursos a través de los cuales buscamos acercarnos a la complejidad de nuestro entorno. También me ha interesado descubrir la presencia del paisaje natural y primigenio, que se revela a través de marcas y signos presentes en el paisaje urbano, señales que muestran el paso del tiempo y la transformación del territorio.
Uno de los conceptos que se ha hecho presente en mi trabajo es “Terra Incognita”, que se utilizaba en los mapas antiguos para indicar el límite del conocimiento geográfico. El uso de esta inscripción me hace pensar en regiones lejanas e inconmensurables, lugares inverosímiles y espacios teóricos. Además, me lleva a imaginar la dificultad de hacer un mapa de un territorio desconocido en un momento histórico en el que se hacían descubrimientos a través de largas expediciones. El uso del término "Terra incognita" desapareció de los mapas durante el siglo XIX, cuando el planeta tierra dejó de ser un lugar extraño para los humanos.
Me pregunto, ¿cuál es nuestra "Terra Incognita" hoy? ¿Qué son esos lugares misteriosos y desconocidos? Bajo esta inquietud enfoco mi práctica artística como un ejercicio de cartografía de un territorio que jamás podré reconocer a través de mi cuerpo: el universo. Busco crear imágenes y metáforas que relacionen nuestro lugar en la tierra y cómo percibimos e interpretamos lo que vemos a lo lejos en el cielo.
Installation view
Woodcuts printed with eggshell powder and graphite on paper
Pendulum and spheres in glass
Dimensions 3 x 2 x 1.50 meters
Page Bond Gallery, Richmond, VA
2022
Woodcuts printed with eggshell powder and graphite on paper
Pendulum and spheres in glass
Dimensions 3 x 2 x 1.50 meters
Page Bond Gallery, Richmond, VA
2022
Para aprender mas información sobre el trabajo de Natalia sigue este link
Montaje de exposición en Koatlikweh Project Room. Obras por Natalia Mejia
Conoce a Harvey Castro
Conoce a Harvey Castro @harveycastro.co artistx invitadx a Koatlikweh Project Room.
Harvey Castro es un artista multidisciplinario, narrador visual y fotógrafo documental que utiliza una combinación de imágenes fijas y en movimiento, grabaciones de audio y contenido histórico para explorar las formas complejas en que el cambio climático afecta la inmigración, la identidad, la diversidad y la inclusión. Inspirándose en sus experiencias como inmigrante y persona de color, el trabajo de Castro se caracteriza por un profundo sentido de autenticidad y un compromiso genuino con las personas que fotografía. En su arte, Castro captura momentos sinceros y escenarios íntimos que reflejan las emociones, pensamientos y sentimientos de las personas que fotografía. Ya sea que estén luchando contra la adversidad y la exclusión o encontrando alegría y compañerismo en sus comunidades, las imágenes de Castro transmiten los lazos de apoyo y resiliencia que permiten a las personas resistir y perseverar frente a los desafíos. Originario de Nicaragua, Castro ahora vive y trabaja en Oakland, California, donde continúa utilizando su arte para promover el cambio social y crear conciencia sobre los problemas apremiantes de nuestro tiempo. A través de sus imágenes poderosas y evocadoras, invita a los espectadores a considerar cómo el cambio climático nos afecta a todos y a unirse a él en la búsqueda de soluciones y la construcción de un mundo más justo e inclusivo.
Harvey Castro es un artista multidisciplinario, narrador visual y fotógrafo documental que utiliza una combinación de imágenes fijas y en movimiento, grabaciones de audio y contenido histórico para explorar las formas complejas en que el cambio climático afecta la inmigración, la identidad, la diversidad y la inclusión. Inspirándose en sus experiencias como inmigrante y persona de color, el trabajo de Castro se caracteriza por un profundo sentido de autenticidad y un compromiso genuino con las personas que fotografía. En su arte, Castro captura momentos sinceros y escenarios íntimos que reflejan las emociones, pensamientos y sentimientos de las personas que fotografía. Ya sea que estén luchando contra la adversidad y la exclusión o encontrando alegría y compañerismo en sus comunidades, las imágenes de Castro transmiten los lazos de apoyo y resiliencia que permiten a las personas resistir y perseverar frente a los desafíos. Originario de Nicaragua, Castro ahora vive y trabaja en Oakland, California, donde continúa utilizando su arte para promover el cambio social y crear conciencia sobre los problemas apremiantes de nuestro tiempo. A través de sus imágenes poderosas y evocadoras, invita a los espectadores a considerar cómo el cambio climático nos afecta a todos y a unirse a él en la búsqueda de soluciones y la construcción de un mundo más justo e inclusivo.
Conoce a Adriana Beach
"Adriana Beach es una artista multidisciplinaria que trabaja en curaduría, escultura, sonido, imágenes distorsionadas, impresión y se aventura en el arte de la instalación. Doblando las barreras de sus medios, Adriana tiene gusto por recontextualizar materiales con un gran interés en los contrastes y la polaridad. Existiendo en tanto una estética grunge industrial como una inspiración de lugares más tiernos, así como del mundo natural. Beach ha estado practicando como artista durante 9 años, es la fundadora y directora creativa de un espacio sin fines de lucro llamado "NANO Gallery", ubicado en el interior oeste de Sydney. Además de encontrar una profesión en las artes, Adriana es curadora, productora, instaladora, facilitadora de talleres y eventos y, a menudo, es buscada para la coordinación y gestión de exposiciones y eventos importantes. Presente en el mundo de las organizaciones de arte más grandes, como The Biennale y SculptureByTheSea, sus pasiones realmente radican en las iniciativas, los colectivos, las galerías y las publicaciones de Artist Run, involucra principalmente a las comunidades creativas de Sydney y Melbourne, pero también pasa mucho tiempo en las comunidades aborígenes de Australia. Desierto Centro. Las obras de Adriana exploran varios temas, que van desde el mundo natural, el sexo y el cuerpo, los problemas sociales, el arte callejero y la cultura, todo en un elocuente equilibrio de admiración pero desafiante proceso tradicional y comprensión de la práctica artística. Su exposición y capacidad para trabajar con un amplio espectro de materiales, al unísono con fuertes relaciones en las artes como industria, influye de manera densa en su obra de arte. Materiales de construcción audaces recontextualizados para encontrar tonos suaves y elegantes y paletas con temas a menudo delicados.
Conoce a Jay Lee
En los últimos años Jay Lee ha vivido en varias ciudades de Corea del Sur, Estados Unidos y México, creando arte todos los días. Jay Lee nació y creció en Seúl. Desde julio de 2021, se ha estado mudando continuamente a nuevos lugares haciendo arte. Desde Seúl hasta el Área de la Bahía de San Francisco y otras ciudades de EE. UU., así como Tulum y Ciudad de México. Pasó 20 años construyendo su carrera y criando a su hija. Ahora su hija ha crecido para ingresar a la escuela secundaria y se ha embarcado en un nuevo viaje para contar su historia como artista. Obtiene inspiracion al vivir en nuevas ciudades. Sus obras de arte reflejan sus perspectivas cada vez más amplias sobre una forma diferente de vivir. Para ella, hacer arte es una forma de deconstruir las normas sociales o los estereotipos. Mientras pinta, mira hacia atrás a donde estaba emocionalmente y acepta los cambios que están dotados con nuevas experiencias que está teniendo. Es un diario de emociones, una memoria y un cuaderno de millones de sueños. Ella trata de evocar la conciencia para liberarse de los marcos anticuados que se le imponen a una mujer como coreana, madre trabajadora, nómada e incluso como artista. Ella pinta un mundo donde todos imaginan lo que quieren en sus vidas, cultivan una hermosa imaginación, expanden los horizontes de sus sueños l. Le encantan las expresiones abstractas, jugar con colores y materiales, cerámicas y arreglos florales. Es juguetona y audaz. Estudio arte en movimiento Corea del Sur (Seúl, Jeju) repensando lo que solía ser familiar para ella. / honrando su pasado, sus raíces y las personas que la influenciaron. EE. UU. (Oakland, San Francisco, Berkeley, San Diego, LA, Palm Spring, Joshua Tree, Austin) mantenerse cerca de la naturaleza / remodelando su papel como madre.
Conoce a Elizabeth Chang
Elizabeth Chang es una artista interdisciplinaria que nació en Oakland, CA y vive en la Ciudad de
México. Ella está interesada en resaltar lo que ha sido pasado por alto y subestimado en la
sociedad y examinar y exponer suposiciones, expectativas y estructuras de poder comúnmente
sostenidas que producen enfermedades dentro de una sociedad o un individuo. Se graduó con
una Licenciatura en Artes en Arte de Estudio de CUNY Hunter College y estudió Psicología,
Enfermería y Salud Pública en UC Berkeley y Columbia University. Ha mostrado su trabajo en
radio 28cs en la Ciudad de México y Local Project Art Space, 440 Gallery y Hunter College en
Nueva York.
Considero que mi papel como artista no es diferente a mi papel como enfermera psiquiátrica y
profesional de la salud pública, ya que creo que los artistas son vitales para la salud de una
sociedad. Utilizo y transformo objetos encontrados, materiales cotidianos y lenguaje para
reflexionar sobre la función predeterminada y la historia de estos materiales para llamar la
atención, examinar y desafiar las estructuras políticas, jerarquías y narrativas dominantes. Mi
interés en destacar el papel que las fuerzas sociopolíticas y económicas más grandes tienen en
los individuos y las comunidades se basa en mi experiencia como hijo de inmigrantes coreanos
y en presenciar las luchas de mi familia para adaptarme a una nueva cultura. Mi objetivo es
crear conciencia sobre los efectos psicológicos que la agitación política y económica tiene en la
formación de la identidad individual y colectiva y, en última instancia, obtener una comprensión
más completa de la experiencia humana como variada, no lineal y contradictoria. Mi propósito
no es necesariamente resolver estas contradicciones, sino provocar el diálogo y proporcionar
un espacio para la contemplación y la curación, lo que lleva a una sociedad más equitativa e
inclusiva.
México. Ella está interesada en resaltar lo que ha sido pasado por alto y subestimado en la
sociedad y examinar y exponer suposiciones, expectativas y estructuras de poder comúnmente
sostenidas que producen enfermedades dentro de una sociedad o un individuo. Se graduó con
una Licenciatura en Artes en Arte de Estudio de CUNY Hunter College y estudió Psicología,
Enfermería y Salud Pública en UC Berkeley y Columbia University. Ha mostrado su trabajo en
radio 28cs en la Ciudad de México y Local Project Art Space, 440 Gallery y Hunter College en
Nueva York.
Considero que mi papel como artista no es diferente a mi papel como enfermera psiquiátrica y
profesional de la salud pública, ya que creo que los artistas son vitales para la salud de una
sociedad. Utilizo y transformo objetos encontrados, materiales cotidianos y lenguaje para
reflexionar sobre la función predeterminada y la historia de estos materiales para llamar la
atención, examinar y desafiar las estructuras políticas, jerarquías y narrativas dominantes. Mi
interés en destacar el papel que las fuerzas sociopolíticas y económicas más grandes tienen en
los individuos y las comunidades se basa en mi experiencia como hijo de inmigrantes coreanos
y en presenciar las luchas de mi familia para adaptarme a una nueva cultura. Mi objetivo es
crear conciencia sobre los efectos psicológicos que la agitación política y económica tiene en la
formación de la identidad individual y colectiva y, en última instancia, obtener una comprensión
más completa de la experiencia humana como variada, no lineal y contradictoria. Mi propósito
no es necesariamente resolver estas contradicciones, sino provocar el diálogo y proporcionar
un espacio para la contemplación y la curación, lo que lleva a una sociedad más equitativa e
inclusiva.
Conoce a Gabriel M. Uribe Bravo (Dr. Fresco)
Artista visual de 37 años nacido en la ciudad de México. Su carrera artística comenzó con la pregunta: ¿Cómo bocetea un programador? El resultado fue la página de internet Turismo Contemporáneo.
El proyecto de producción artística creció hasta convertirse en The Garden Review Una revista digital cuyas páginas son historias donadas por gente anónima y contadas a travez de un collage digital; Un conjunto de elementos multimedia que cuentan la historia como lo harían actores en una obra. El proyecto cuenta con colaboraciones de otros artistas como Allegra Hangen, Eme de Armario y Enero y Abril.
En el 2017 Gabriel ganó una convocatoria del Laboratorio de Arte Alameda para hacer una residencia en el instituto GRAME (Lyon, Francia) Dónde aprendió a usar FAUST, un software para generar sonido en web. Posteriormente esa residencia resulto en la exposición NETSOUNDS.
Esta obra se expuso en la Bienal de música en escena de la ciudad de Lyon edición 2018.
Su obra artística esta basada en las investigaciones de Vilem Flusser sobre el lenguaje y los nuevos medios de comunicación digital. (Manifiesto Garden)
El proyecto de producción artística creció hasta convertirse en The Garden Review Una revista digital cuyas páginas son historias donadas por gente anónima y contadas a travez de un collage digital; Un conjunto de elementos multimedia que cuentan la historia como lo harían actores en una obra. El proyecto cuenta con colaboraciones de otros artistas como Allegra Hangen, Eme de Armario y Enero y Abril.
En el 2017 Gabriel ganó una convocatoria del Laboratorio de Arte Alameda para hacer una residencia en el instituto GRAME (Lyon, Francia) Dónde aprendió a usar FAUST, un software para generar sonido en web. Posteriormente esa residencia resulto en la exposición NETSOUNDS.
Esta obra se expuso en la Bienal de música en escena de la ciudad de Lyon edición 2018.
Su obra artística esta basada en las investigaciones de Vilem Flusser sobre el lenguaje y los nuevos medios de comunicación digital. (Manifiesto Garden)
Conoce a Jackson Neimeth Dickstein
Mi trabajo se centra principalmente en las relaciones e interacciones cotidianas que se desarrollan en las comunidades a las que pertenezco aquí en Norte America y en mi hogar ancestral de Europa del Este, en todas las configuraciones posibles.
La cruda descripción de la verdadera naturaleza humana plasmada en el arte popular y el trabajo de los niños son los catalizadores esenciales de mi trabajo. El tiempo que he pasado con niños como profesora de arte, instruyéndolos en artesanía y técnica, y observándolos trabajar con un equilibrio de abandono lúdico y subjetividad sin censura, juega un papel enorme en mi trabajo; directa y subliminalmente. El arte popular es una influencia igualmente poderosa en mi trabajo; particularmente la estética del arte popular de Centroamérica con el que crecí rodeado en mi casa, y que he descubierto en mis viajes a Europa del Este, África y América. En la narración folclórica, los personajes no están sujetos a restricciones lineales, del mismo modo que mi trabajo fusiona cualidades físicas y metafísicas para crear una visión tangible de mi mundo interior.
La cruda descripción de la verdadera naturaleza humana plasmada en el arte popular y el trabajo de los niños son los catalizadores esenciales de mi trabajo. El tiempo que he pasado con niños como profesora de arte, instruyéndolos en artesanía y técnica, y observándolos trabajar con un equilibrio de abandono lúdico y subjetividad sin censura, juega un papel enorme en mi trabajo; directa y subliminalmente. El arte popular es una influencia igualmente poderosa en mi trabajo; particularmente la estética del arte popular de Centroamérica con el que crecí rodeado en mi casa, y que he descubierto en mis viajes a Europa del Este, África y América. En la narración folclórica, los personajes no están sujetos a restricciones lineales, del mismo modo que mi trabajo fusiona cualidades físicas y metafísicas para crear una visión tangible de mi mundo interior.
Conoce a Liza Zaldivar
Liza Zaldívar Salazar es artista plástica y directora creativa que vive actualmente en la Ciudad de México, aunque es originaria de Houston, Texas. Su obra aborda la tensión y conflicto de la identidad cultural de las personas Chicanas y lo que está perdido en nuestros cuerpos a través de la asimilación o aspiración a la cultura dominante.
En 2020 el Library of Congress en Washington DC seleccionó su obra para la colección oficial, adquirida por importancia histórica. En 2019, realizó un viaje siguiendo el camino de migración de sus antepasadas desde México a Estados Unidos para pintar murales conmemorativos de migrantes que no lograron cruzar la frontera. Su proyecto Reverse Assimilation le ayudó a entender cómo plasmar las contradicciones de lo multicultural en su obra plástica.
La pintura es uno de sus principales medios de trabajo. Actualmente esta búsqueda pictórica, la ha llevado a utilizar telas recicladas de distintos colores, texturas y formas como material para pintar. Utiliza principalmente ropa descartada de marcas de los EEUU que se adquieren en los tianguis y se conoce como ropa de paca. Esta ropa migra desde los outlets y tiendas de descuento de ciudades como Houston y llegan a gran parte de México a bajo costo.
A veces los cuadros pueden tener un formato tradicional, a veces la tela se sale del bastidor para ser bandera paisaje y darle por un momento identidad a la nueva mestiza, un personaje siempre en transición.
“La nueva mestiza tiene tensión en su cuerpo y en su ser: esto es una clave para la liberación y la nueva conciencia.”
Gloria Anzaldúa
Cuenta con tres exposiciones individuales y más de diez exposiciones colectivas en México y los EEUU. Ha participado en ferias de arte como Clavo Movimiento y FAIN. Próximamente realizará una residencia artística en el Museo MexicArte en Austin, Texas y otra en Los Ángeles con ArtHouse San Clemente.
Conoce a Ben Yisrael
Inspirado por el Hip Hop, el Jazz, el Haiku y las Historias y Futurismos Indígenas...
Ben Yisrael es un poeta, cineasta y artista multimedia que utiliza acrílicos, crayones y pasteles para crear imágenes coloridas en lienzo y papel. Los temas de su arte incluyen la era dorada afroindígena, imágenes futuristas y simbolismo espiritual indígena. Como el arte no solo es un medio para documentar el pasado, sino un elemento de revolución... el objetivo y propósito de su arte es reconfigurar cómo se retratan, distribuyen y celebran las imágenes afroindígenas. Cada imagen está diseñada para reimaginar lo sagrado y heroico en la era postcolonial que se dirige hacia la Nueva Era Indígena.
Ben Yisrael es un poeta, cineasta y artista multimedia que utiliza acrílicos, crayones y pasteles para crear imágenes coloridas en lienzo y papel. Los temas de su arte incluyen la era dorada afroindígena, imágenes futuristas y simbolismo espiritual indígena. Como el arte no solo es un medio para documentar el pasado, sino un elemento de revolución... el objetivo y propósito de su arte es reconfigurar cómo se retratan, distribuyen y celebran las imágenes afroindígenas. Cada imagen está diseñada para reimaginar lo sagrado y heroico en la era postcolonial que se dirige hacia la Nueva Era Indígena.
Conoce a Rahsa Dezmen
La artista conocida como Yonic es un artista internacional originaria de los Estados Unidos. La artista nació y creció en Nueva Jersey, hija de José y Adriana Méndez, de ascendencia puertorriqueña y brasileña. La familia, la cultura y el linaje son de gran importancia para el artista, ya que exploran y preservan tales temas en su trabajo.
Yonic estudió en Nueva York, donde enseñaba clases de arte recreativo y exhibía regularmente nuevas obras con diversos colectivos artísticos como Project Feel y Van Der Plas Gallery. Desde entonces, Yonic ha viajado por el mundo en busca de inspiración, comprensión y desarrollo. Ha vivido y expuesto en París, Ciudad Ho Chi Minh, México y Londres.
El trabajo de Yonic se centra en la naturaleza humana, la psicología y la espiritualidad, fusionando el mito y la realidad. A través de colores vibrantes, curvas elegantes y movimientos superpuestos, Yonic reflexiona sobre preguntas atemporales como qué significa pertenecer, vivir y morir, y quiénes somos en el proceso.
Yonic estudió en Nueva York, donde enseñaba clases de arte recreativo y exhibía regularmente nuevas obras con diversos colectivos artísticos como Project Feel y Van Der Plas Gallery. Desde entonces, Yonic ha viajado por el mundo en busca de inspiración, comprensión y desarrollo. Ha vivido y expuesto en París, Ciudad Ho Chi Minh, México y Londres.
El trabajo de Yonic se centra en la naturaleza humana, la psicología y la espiritualidad, fusionando el mito y la realidad. A través de colores vibrantes, curvas elegantes y movimientos superpuestos, Yonic reflexiona sobre preguntas atemporales como qué significa pertenecer, vivir y morir, y quiénes somos en el proceso.
Conoce a Joshua Nierodzinski
Joshua Nierodzinski, un artista estadounidense, educador y cofundador de la plataforma internacional HEKLER @heklerke , trabajara en una mezcla de pintura, fotografía y video durante nuestra su residencia. Con una práctica de estudio basada en la investigación, navega hábilmente por la intersección de historias personales y nacionales, tejiendo narrativas convincentes a través de su arte.
La obra de Nierodzinski ha sido exhibida en lugares como el Museo de Arte del Bronx, la Fundación NARS y el Museo de Los Sures. No es ajeno a las residencias, habiendo sido artista residente en la Fundación Josef y Anni Albers, la Fundación Golden y Residency Unlimited.
Reconocido por su destreza artística, Nierodzinski ha recibido premios como la Beca Nacional para las Artes y la Beca AIM del Museo del Bronx, consolidando su lugar en la escena del arte contemporáneo.
La obra de Nierodzinski ha sido exhibida en lugares como el Museo de Arte del Bronx, la Fundación NARS y el Museo de Los Sures. No es ajeno a las residencias, habiendo sido artista residente en la Fundación Josef y Anni Albers, la Fundación Golden y Residency Unlimited.
Reconocido por su destreza artística, Nierodzinski ha recibido premios como la Beca Nacional para las Artes y la Beca AIM del Museo del Bronx, consolidando su lugar en la escena del arte contemporáneo.
Conoce a Wes Sanders
Wes Sanders es un artista y diseñador interdisciplinario cuyo trabajo busca replantear nuestras suposiciones sobre el entorno construido. A través de la escultura, la instalación, el diseño de muebles y de exposiciones, él centra la creación de espacios como el vehículo principal para estimular la imaginación, construir comunidad y crear cambios.
Originario de Shepherdstown, Virginia Occidental, un pequeño pueblo enclavado en las colinas ondulantes de los Apalaches, Wes creció en una comunidad muy unida de constructores de estructuras de madera y artesanos que dependen del entorno local para obtener materias primas y de unos a otros para levantar edificaciones. Es esta misma comunidad, que se esfuerza por vivir en armonía con la tierra, la que actúa como guardiana de la ecología local, luchando por la justicia ambiental mientras la producción química y la minería de carbón profanan nuestras montañas y contaminan nuestros cursos de agua. Esta simbiosis entre su comunidad y el medio ambiente impulsa a Wes a crear obras impulsadas por la creación de espacios como un método para construir comunidad y la sostenibilidad como una guía para el buen arte y diseño.
Un hilo conductor en todo su trabajo es la idea de encierro y cómo las intervenciones espaciales provocan una amplia gama de emociones dinámicas, recuerdos y respuestas sensoriales. Situándose en algún lugar en la frontera entre el arte y el diseño, Wes cuestiona nuestra inclinación humana a separar y definir relaciones complejas entre las supuestas dicotomías del espacio doméstico y público, las ideas de interioridad y exterioridad, y lo funcional e impráctico
Originario de Shepherdstown, Virginia Occidental, un pequeño pueblo enclavado en las colinas ondulantes de los Apalaches, Wes creció en una comunidad muy unida de constructores de estructuras de madera y artesanos que dependen del entorno local para obtener materias primas y de unos a otros para levantar edificaciones. Es esta misma comunidad, que se esfuerza por vivir en armonía con la tierra, la que actúa como guardiana de la ecología local, luchando por la justicia ambiental mientras la producción química y la minería de carbón profanan nuestras montañas y contaminan nuestros cursos de agua. Esta simbiosis entre su comunidad y el medio ambiente impulsa a Wes a crear obras impulsadas por la creación de espacios como un método para construir comunidad y la sostenibilidad como una guía para el buen arte y diseño.
Un hilo conductor en todo su trabajo es la idea de encierro y cómo las intervenciones espaciales provocan una amplia gama de emociones dinámicas, recuerdos y respuestas sensoriales. Situándose en algún lugar en la frontera entre el arte y el diseño, Wes cuestiona nuestra inclinación humana a separar y definir relaciones complejas entre las supuestas dicotomías del espacio doméstico y público, las ideas de interioridad y exterioridad, y lo funcional e impráctico
Conoce a Adam Thorman
Adam Thorman es un artista, fotógrafo y educador radicado en Oakland, CA, EE. UU. Crea arte sobre el paisaje, abstracto, y su práctica está enraizada en la fotografía e implica la creación de imágenes alteradas digitalmente e impresiones alteradas a mano que ocasionalmente se desvían hacia lo escultórico. Su obra se crea en el contexto del cambio climático y, en su trabajo, el paisaje es un espacio interpretativo donde el significado es flexible. Aborda el mundo con un ojo hacia la creación de mitos animistas, desanclando intencionalmente al espectador para crear realidades desconocidas a partir del paisaje. Se siente fascinado por lo sublime y cómo el colapso climático sigue produciendo momentos de belleza mientras induce un verdadero terror ante la amenaza en los paisajes que nos rodean.
El trabajo de Adam ha sido mencionado en el New York Times, LA Times y KQED Arts, entre otros. Su obra forma parte de la colección de SFMOMA y ha sido exhibida en el Contemporary Jewish Museum en San Francisco, CA, el Center for Creative Photography en Tucson, Arizona, la Sam Lee Gallery en Los Ángeles, CA, y KOIK Contemporary en Ciudad de México, entre otros lugares. Sus colaboraciones con el poeta Alex Mattraw han sido publicadas en revistas de poesía como Posit y Tupelo Quarterly. Su primer libro, *Creatures Found*, será publicado por The Eriskay Connection en el otoño de 2024. Exhibe fotografía en The Athenian School en Danville, CA.
El trabajo de Adam ha sido mencionado en el New York Times, LA Times y KQED Arts, entre otros. Su obra forma parte de la colección de SFMOMA y ha sido exhibida en el Contemporary Jewish Museum en San Francisco, CA, el Center for Creative Photography en Tucson, Arizona, la Sam Lee Gallery en Los Ángeles, CA, y KOIK Contemporary en Ciudad de México, entre otros lugares. Sus colaboraciones con el poeta Alex Mattraw han sido publicadas en revistas de poesía como Posit y Tupelo Quarterly. Su primer libro, *Creatures Found*, será publicado por The Eriskay Connection en el otoño de 2024. Exhibe fotografía en The Athenian School en Danville, CA.
